Джакопо Пери
Истоками оперы можно считать и античную трагедию. Как самостоятельный жанр опера возникла в Италии на рубеже 16-17 веков в кружке музыкантов, философов, поэтов в городе Флоренция. Назывался кружок любителей искусства «камерата» . Участники «камераты» мечтали возродить древнегреческую трагедию, объединить в одном спектакле драму, музыку и танец. Первый подобный спектакль был дан во Флоренции в 1600 году и рассказывал об Орфее и Эвредике. Существует версия, что первый музыкальный спектакль с пением был поставлен в 1594 году на сюжет древнегреческого мифа о борьбе бога Аполлона со змеем Пифоном. Постепенно в Италии стали появляться оперные школы в Риме, в Венеции, Неаполе. Затем опера стремительно распространилась по всей Европе. В конце 17-начале 18 века складываются основные разновидности оперы: опера - сериа (большая серьёзная опера) и опера - буффа (комическая опера).
В конце 18 века в Петербурге был открыт Российский театр. Сначала шли только иностранные оперы. Первые русские оперы были комическими. Одним из создателей считается Фомин. В 1836 году в Петербурге прошла премьера оперы Глинки «Жизнь за царя». Опера в России приобрела совершенную форму, определились её особенности: яркие музыкальные характеристики главных героев, отсутствие разговорных диалогов. В 19 веке к опере обращаются все лучшие русские композиторы.
Исторически сложились определённые формы оперной музыки. При наличии некоторых общих закономерностей оперной драматургии все её компоненты в зависимости от типов оперы толкуются различно.
В комической опере, немецкой и французской, между музыкальными номерами допускается диалог. Есть и серьёзные оперы, в которые вставлен диалог, напр. «Фиделио» Бетховена , «Медея» Керубини, «Волшебный стрелок» Вебера.
Это синтетический жанр, объединяющий в едином театральном действии различные виды искусств: драматургию, музыку, изобразительное искусство (декорации, костюмы), хореографию (балет).
В состав оперного коллектива входят: солист , хор , оркестр , военный оркестр , орган . Оперные голоса : (женские: сопрано , меццо-сопрано , контральто ; мужские: контратенор , тенор , баритон , бас).
Оперное произведение делится на акты , картины , сцены , номера . Перед актами бывает пролог , в конце оперы - эпилог .
Части оперного произведения - речитативы , ариозо , песни , арии , дуэты , трио , квартеты , ансамбли и т. д. Из симфонических форм - увертюра , интродукция , антракты , пантомима , мелодрама , шествия, балетная музыка.
Характеры героев наиболее полно раскрываются в сольных номерах (ария , ариозо , ариетта , каватина , монолог , баллада , песня). Различные функции в опере имеет речитатив - музыкально-интонационное и ритмическое воспроизведение человеческой речи. Нередко он связывает (сюжетно и в музыкальном отношении) отдельные законченные номера; часто является действенным фактором музыкальной драматургии. В некоторых жанрах оперы, преимущественно комедийных, вместо речитатива используется разговорная речь , обычно - в диалогах.
Сценическому диалогу, сцене драматического спектакля в опере соответствует музыкальный ансамбль (дуэт, трио, квартет, квинтет и т. д.), специфика которого даёт возможность создавать конфликтные ситуации, показывать не только развитие действия, но и столкновение характеров, идей. Поэтому ансамбли зачастую появляются в кульминационных или заключительных моментах оперного действия.
Хор в опере трактуется по-разному. Он может быть фоном, не связанным с основной сюжетной линией; иногда своеобразным комментатором происходящего; его художественные возможности позволяют показать монументальные картины народной жизни, выявить взаимоотношения героя и масс (например, роль хора в народных музыкальных драмах М. П. Мусоргского «Борис Годунов» и «Хованщина»).
В музыкальной драматургии оперы большая роль отведена оркестру , симфонические средства выразительности служат более полному раскрытию образов. Опера включает также самостоятельные оркестровые эпизоды - увертюру, антракт (вступление к отдельным актам). Ещё один компонент оперного спектакля - балет , хореографические сцены, где пластические образы сочетаются с музыкальными.
Оперными театрами называют здания музыкальных театров, специально предназначенные для показа оперных постановок. В отличие от театров под открытым небом, здание оперного театра оснащено большой сценой с дорогостоящим техническим оборудованием, включая оркестровую яму и зрительный зал в один или несколько ярусов, располагающихся друг над другом либо оформленных в виде лож . Данная архитектурная модель оперного театра является основной. Крупнейшими по количеству мест для зрителей зданиями оперных театров мира являются Метрополитен Опера в Нью-Йорке (3 800 мест), Опера в Сан-Франциско (3 146 мест) и Ла-Скала в Италии (2 800 мест).
В большинстве стран содержание зданий оперных театров является убыточным и требует государственных субсидий или пожертвований меценатов . Например, годовой бюджет театра Ла-Скала (Милан , Италия) по состоянию на 2010 год составил 115 миллионов евро (40% - государственная дотация и 60% - пожертвования частных лиц и продажа билетов) , а в 2005 году театр Ла-Скала получил 25% от 464 миллионов евро - суммы, предусмотренной бюджетом Италии на развитие изобразительных искусств . А Эстонская национальная опера в 2001 году получила 7 миллионов евро (112 миллионов крон), что составило 5,4% средств министерства культуры Эстонии .
Во времена зарождения оперы, когда ещё не было изобретено электронное усиление звука, техника оперного пения развивалась в направлении извлечения достаточно громкого звука, способного перекрыть звучание сопровождающего симфонического оркестра. Мощность оперного голоса благодаря слаженной работы трёх компонентов (дыхания , работы гортани и регулирования резонирующих полостей) достигала 120 дБ на расстоянии одного метра .
Певцов , в соответствии с оперными партиями, классифицируют по типу голоса (текстура, тембр и характер). Среди мужских оперных голосов различают:
а среди женских:
Музыкальные формы | ||
---|---|---|
Вокальные формы | Куплетная форма Запевно-припевная форма | |
Простые формы | Период Простая двухчастная форма Простая трёхчастная форма | |
Сложные формы | Составные песенные формы Рондо Вариационная форма Сонатная форма Рондо-соната | |
Циклические формы | Сюита Сонатно-симфонический цикл Кантата Оратория | |
Полифонические формы | Канон Фуга | |
Специфические формы европейского Средневековья и Возрождения |
Бар Виреле ́ Баллата ́ Эстампи ́ Лэ Мадригал | |
Специфические формы эпохи барокко | Простые формы эпохи барокко Старинная сонатная форма Составные формы эпохи барокко Старинная концертная форма Хоральная обработка | |
Специфические формы эпохи романтизма | Свободные формы Смешанные формы Одночастно-циклическая форма | |
Формы музыкального театра | Оперетта Балет | |
Музыка Теория музыки |
Оперные термины | ||
---|---|---|
Театральные направления | ||
---|---|---|
Театр | ||
Тангейзер:Дорогие ПЧ!Не огорчайтесь чрезмерному обилию постов в последние дни...Скоро у вас появится чудесная возможность от них отдохнуть...)На три недели...Сегодня я включил в Дневник вот эту страницу об опере.Текст есть,картинки увеличил...Осталось подобрать несколько видео-роликов с оперными фрагментами.Надеюсь, всё вам понравится.Ну,а разговор об опере,конечно, на этом не заканчивается.Хотя само количество великих произведений и ограничено...)
Это интереснейшее сценическое действо, имеющее определенный сюжет, который разворачивается под музыку. Огромный труд, проделанный композитором, написавшим оперное произведение, невозможно недооценить. Но не менее важно исполнительское мастерство, которое помогает передать главную мысль произведения, вдохновить зрителей, донести музыку в сердца людей.
Есть имена, которые стали неотъемлемой частью исполнительского мастерства в опере. Массивный бас Федора Шаляпина навсегда запал в душу поклонникам оперного пения. Когда-то мечтавший стать футболистом, Лучано Паваротти, стал настоящей суперзвездой оперной сцены. Энрико Карузо с детства говорили о том, что у него нет ни слуха, ни голоса. До тех пор, пока певец не прославился своим неповторимым бельканто.
В его основу может быть положен как исторический факт, так и мифология, сказка или драматическое произведение. Чтобы понять, о чем вы услышите в опере, создается текст либретто. Однако для того, чтобы ознакомиться с оперой, недостаточно либретто: ведь содержание передается через художественные образы музыкальными средствами выразительности. Особая ритмика, яркая и своеобразная мелодия, сложная оркестровка, а также музыкальные формы, выбранные композитором для отдельных сцен - все это создает массивный жанр оперного искусства.
Оперы различают посредством сквозного и номерного строения. Если говорить о номерном строении, то здесь четко выражена музыкальная завершенность, а сольные номера имеют названия: ариозо, ария, ариетта, романс, каватина и другие. Завершенные вокальные произведения помогают полностью раскрыть характер героя. Аннете Даш, немецкая певица исполняла такие партии как Антониа из «Сказок Гофмана» Оффенбаха, Розалинда из «Летучей мыши» Штрауса, Памина из «Волшебной флейты» Моцарта. Многогранным талантом певицы могли наслаждаться зрители Метрополитен-опера, театра на Елисейских полях, а также Токийской оперы.
Одновременно с вокальными «закругленными» номерами в операх применяют музыкальную декламацию - речитатив. Это отличная связка меж различными вокальными сюжетами - ариями, хорами и ансамблями. Комическая опера отличается отсутствием речитативом, а заменяет их разговорный текст.
Бальные сцены в опере считаются неосновными элементами, вставными. Нередко их можно безболезненно устранить из общего действия, но бывают оперы, в которых не обойтись без языка танца для завершенности музыкального произведения.
Опера сочетает в себе вокал, инструментальную музыку и танец. Роль оркестрового сопровождения значительна: ведь это не только аккомпанемент пению, но и его дополнение и обогащение. Оркестровые партии могут быть и самостоятельными номерами: антрактами к действиям, вступлениями арий, хоров и увертюрами. Марио Дель Монако прославился, благодаря исполнению партии Радамеса из оперы «Аида» Джузеппе Верди.
Говоря об оперном коллективе, следует назвать солистов, хор, оркестр и даже орган. Голоса оперных исполнителей делятся на мужские и женские. Женские оперные голоса - сопрано, меццо-сопрано, контральто. Мужские - контртенор, тенор, баритон и бас. Кто бы мог подумать, что Беньямино Джильи, выросший в бедной семье, спустя годы, будет петь партию Фауста из «Мефистофеля».
Исторически сложились определенные формы оперы. Наиболее классическим вариантом можно назвать большую оперу: к этому стилю можно отнести произведения «Вильгельм Телль» Россини, «Сицилийская вечерня» Верди, «Троянцы» Берлиоза.
Кроме того оперы бывают комическими и полукомическими. Черты, свойственные комической опере, проявились в творчестве Моцарта «Дон Жуан», «Женитьба Фигаро» и «Похищение из сераля». Оперы, положенные на романтический сюжет, называют романтическими: к этой разновидности можно отнести произведения Вагнера «Лоэнгрин», «Тангейзер» и «Моряк-скиталец».
Особое значение имеет тембр голоса оперного исполнителя. Обладательницами редчайшего тембра - колоратурного сопрано являются Суми Йо, дебют которой состоялся на сцене театра имени Верди: певица исполнила партию Джильды из «Риголетто», а также Джоан Элстон Сазерленд, которая в течение четверти века исполняла партию Лючии из оперы «Лючия ди Ламмермур» Доницетти.
Балладная опера появилась в Англии и больше напоминает чередование разговорных сцен с фольклорными элементами песен и танцев. Пепуш с «Оперой нищих» стал первооткрывателем балладной оперы.
Поскольку мир музыки довольно многогранен, об опере следует говорить на особом языке, который понятен истинным любителям классического искусства. Узнать о лучших исполнителях мировых площадок можно на нашем сайте в рубрике «Исполнители » .
Меломаны со стажем наверняка с радостью прочтут о лучших исполнителях классических оперных произведений. Достойной сменой талантливейших вокалистов становления оперного искусства стали такие музыканты как Андреа Бочелли, кумиром которого был Франко Корелли. В результате Андреа нашел возможность встретиться со своим кумиром и даже стал его учеником!
Джузеппе Ди Стефано чудом не попал в армейские ряды, благодаря своему восхитительному тембру голоса. Титто Гобби собирался стать юристом, а посвятил свою жизнь опере. Об этих и других исполнителях - оперных певцах можно узнать много интересного в рубрике «Мужские голоса ».
Говоря об оперных дивах, нельзя не вспомнить такие величайшие голоса как Анник Массис, которая дебютировала на сцене Тулузской оперы с партией из оперы Моцарта «Мнимая садовница».
Одной из прекраснейших вокалисток по праву считают Даниэль Де Низ, которая за свою карьеру исполнила сольные партии в операх Доницетти, Пуччини, Делиба и Перголези.
Монсеррат Кабалье. Об этой удивительной женщине сказано много: звание «Дива мира» смогли заслужить немногие исполнители. Несмотря на то, что певица находится в преклонном возрасте, она продолжает радовать публику своим великолепным пением.
Множество талантливых оперных исполнительниц делали первые шаги на отечественных просторах: Виктория Иванова, Екатерина Щербаченко, Ольга Бородина, Надежда Обухова и другие.
Амалия Родригеш - португальская певица, исполняющая фаду, а Патриция Чофи - итальянская оперная дива впервые участвовала в музыкальном конкурсе, когда ей было три года! Эти и другие величайшие имена прекрасных представительниц оперного жанра - оперных певицах можно найти в рубрике «Женские голоса ».
Дух оперы буквально вселяется в театр, проникает в подмостки, а сцены, на которых выступали легендарные исполнители, становятся культовыми и значимыми. Как не вспомнить величайшие оперы Ла Скала, Метрополитен-опера, Большой театр, Мариинский театр, Берлинская государственная опера и другие. К примеру, Ковент Гарден (Королевский оперный театр) пережил катастрофические пожары в 1808 и 1857 годах, однако большинство элементов настоящего комплекса было отреставрировано. Об этих и других известных сценах вы можете прочесть в рубрике «Площадки ».
В древности считалось, что музыка родилась вместе с миром. Мало того, музыка снимает психические переживания и благотворно влияет на духовность личности. Особенно, если идет речь об оперном искусстве…
Цель:
Задачи:
Ход урока
1. Звучит музыка. Дж.Б. Перголези.”Stabat Mater dolorosa”
Рис. 1
Среди бесчисленного множества чудес,
Что нам подарены самой природой,
Одно есть, несравнимое ни с чем,
Неувядающие сквозь любые годы, –Он дарит трепетный восторг любви
И согревает душу в дождь и холод,
Нам возвращая сладостные дни,
Когда был каждый вздох надеждой полон.Перед ним равны и нищий и король –
Судьба певца – отдать себя, сгореть.
Он послан Богом, чтоб творить добро –
Над красотой не властна смерть!
Илья Короп
– “XVIII век был веком красоты, XIX – веком чувства, а финал ХХ стал веком чистого драйва. И зритель приходит в театр не за концепцией, не за идеями, а подпитаться энергией, ему нужен шок. Поэтому такой спрос на поп-культуру – там больше энергии, чем в культуре академической. Чечилия Бартоли мне сказала, что поет оперу как рок-музыку, – и я понял загадку фантастической энергетики этой великой певицы. Опера всегда была народным видом искусства, в Италии она развивалась чуть ли не как спорт – состязание певцов. И она должна быть популярной”. Валерий Кичин
В литературе, музыке и других искусствах за время их существования сложились различные виды произведений. В литературе это, например, роман, повесть, рассказ; в поэзии – поэма, сонет, баллада; в изобразительном искусстве – пейзаж, портрет, натюрморт; в музыке – опера, симфония... Род произведений в пределах одного какого-то искусства называют французским словом жанр (genre).
5. Певцы. В течение 18 в. развился культ певца-виртуоза – сначала в Неаполе, потом по всей Европе. В это время партия главного героя в опере исполнялась мужским сопрано – кастратом, то есть тембром, естественное изменение которого было остановлено кастрацией. Певцы-кастраты доводили диапазон и подвижность своих голосов до пределов возможного. Такие оперные звезды, как кастрат Фаринелли (К.Броски, 1705–1782), чье сопрано по рассказам превосходило по силе звук трубы, или меццо-сопрано Ф.Бордони, про которую говорили, что она могла тянуть звук дольше всех на свете певцов, полностью подчиняли своему мастерству тех композиторов, чью музыку они исполняли. Некоторые из них сами сочиняли оперы и руководили оперными труппами (Фаринелли). Считалось само собой разумеющимся, что певцы украшают сочиненные композитором мелодии собственными импровизированными орнаментами, не обращая внимания на то, подходят подобные украшения к сюжетной ситуации оперы или нет. Обладатель любого типа голоса обязательно обучался исполнению быстрых пассажей и трелей. В операх Россини, например, тенор должен владеть колоратурной техникой не хуже, чем сопрано. Возрождение подобного искусства в 20 в. позволило дать новую жизнь многообразному оперному творчеству Россини.
В соответствии с диапазоном голосов оперные певцы делятся обычно на шесть типов. Три женских типа голосов, от высоких к низким – сопрано, меццо-сопрано, контральто (последнее в наши дни встречается редко); три мужских – тенор, баритон, бас. Внутри каждого типа может быть несколько подвидов в зависимости от качества голоса и стиля пения. Лирико-колоратурное сопрано отличается легким и исключительно подвижным голосом, такие певицы умеют исполнять виртуозные пассажи, быстрые гаммы, трели и другие украшения. Лирико-драматическое (lirico spinto) сопрано – голос большой яркости и красоты.
Тембр драматического сопрано – насыщенный, сильный. Различие между лирическими и драматическими голосами относится также к тенорам. У басов выделяются два главных типа: “певческий бас” (basso cantante) для “серьезных” партий и комический (basso buffo).
Задание ученикам. Определите – какой тип голоса исполняет:
Хор в опере трактуется по-разному. Он может быть фоном, не связанным с основной сюжетной линией; иногда своеобразным комментатором происходящего; его художественные возможности позволяют показать монументальные картины народной жизни, выявить взаимоотношения героя и масс (например, роль хора в народных музыкальных драмах М. П. Мусоргского “Борис Годунов” и “Хованщина”).
Давайте прослушаем:
Задание ученикам. Определите – кто герой, а кто – масса.
Герой здесь – Борис Годунов. Масса – народ. Мысль написать оперу на сюжет исторической трагедии Пушкина "Борис Годунов" (1825) Мусоргскому подал его друг, видный историк профессор В. В. Никольский. Мусоргского чрезвычайно увлекла возможность претворить остро актуальную для его времени тему взаимоотношений царя и народа, вывести народ в качестве главного действующего лица оперы. "Я разумею народ как великую личность, одушевленную единой идеей, – писал он. – Это моя задача. Я попытался решить ее в опере".
6. Оркестр. В музыкальной драматургии оперы большая роль отведена оркестру, симфонические средства выразительности служат более полному раскрытию образов. Опера включает также самостоятельные оркестровые эпизоды – увертюру, антракт (вступление к отдельным актам). Еще один компонент оперного спектакля – балет, хореографические сцены, где пластические образы сочетаются с музыкальными. Если певцы являются ведущими в оперном представлении, то оркестровая партия образует обрамление, фундамент действия, движет его вперед и готовит слушателей к грядущим событиям. Оркестр поддерживает певцов, подчеркивает кульминации, своим звучанием заполняет лакуны либретто или моменты смены декораций, наконец, выступает в заключении оперы, когда опускается занавес. Прослушаем увертюру Россини к комедии “Севильский цирюльник”. Форма “автономной” оперной увертюры пришла в упадок, и ко времени появления “Тоски” Пуччини (1900) увертюра могла заменяться всего лишь несколькими вступительными аккордами. В ряде опер 20 в. вообще отсутствуют какие бы то ни было музыкальные приготовления к сценическому действию. Но так как сущность оперы есть пение, высшие моменты драмы находят отражение в завершенных формах арии, дуэта и в других условных формах, где музыка выходит на первый план. Ария подобна монологу, дуэт – диалогу, в трио обычно воплощаются противоречивые чувства одного из персонажей по отношению к двум другим участникам. При дальнейшем усложнении возникают разные ансамблевые формы.
Прослушаем:
Введение подобных форм обычно останавливает действие, чтобы дать место развитию одной (или нескольких) эмоций. Только группа певцов, объединенная в ансамбль, может выразить сразу несколько точек зрения на совершающиеся события. Иногда в роли комментатора поступков оперных героев выступает хор. В основном текст в оперных хорах произносится сравнительно медленно, фразы часто повторяются, чтобы сделать содержание понятным слушателю.
Не во всех операх можно провести четкую грань между речитативом и арией. Вагнер, например, отказался от завершенных вокальных форм, имея целью непрерывное развитие музыкального действия. Эта новация была подхвачена, с различными модификациями, целым рядом композиторов. На русской почве идея непрерывной “музыкальной драмы” была, независимо от Вагнера, впервые опробована А.С.Даргомыжским в “Каменном госте” и М.П.Мусоргским в “Женитьбе” – они называли данную форму “разговорной оперой”, opera dialogue.
7. Оперные театры.
Рис. 2
Таким образом – опера властвовала во всем мире.
В эпоху Монтеверди опера стремительно завоевывала крупные города Италии.
Романтическая опера в Италии
Итальянское влияние достигло даже Англии.
Как и ранняя итальянская опера, французская опера середины 16 в. исходила из стремления возродить древнегреческую театральную эстетику.
Если во Франции во главу угла ставилось зрелище, то во всей остальной Европе – ария. Центром оперной деятельности на этом этапе стал Неаполь.
Из Неаполя берет свое начало еще один вид оперы – опера – буффа (opera – buffa), возникшая как закономерная реакция на оперу – сериа. Увлечение этим видом оперы быстро охватило города Европы – Вену, Париж, Лондон. Романтическая опера во Франции.
Балладная опера повлияла на становление немецкой комической оперы – зингшпиля. Романтическая опера в Германии.
Русская опера эпохи романтизма.
“Чешская опера” – условный термин, под которым подразумеваются два контрастных художественных направления: прорусское в Словакии и прогерманское в Чехии.
Домашнее задание ученикам. Каждому ученику дается задание ознакомиться с творчеством композитора (по выбору), где процветала опера. А именно: Я. Пери, К.Монтеверди, Ф.Кавалли, Г.Перселл, Ж.Б.Люлли, Ж.Ф.Рамо, А.Скарлатти, Г.Ф.Гендель, Дж.Б.Перголези, Дж.Паизиелло, К.В.Глюк, В.А.Моцарт, Дж.Россини, В.Беллини, Г.Доницетти, Дж.Верди, Р.Леонкавалло, Дж.Пуччини, Р.Вагнер, К.М.Вебер, Л. Ван Бетховен, Р.Штраус, Дж.Мейербер, Г.Берлиоз, Ж.Бизе, Ш.Гуно, Ж.Оффенбах, К.Сен-Санс, Л.Делиб, Ж.Массне, К.Дебюсси, М.П.Мусоргский, М.П.Глинка, Н.А.Римский-Корсаков, А.П.Бородин, П.И.Чайковский, С.С.Прокофьев, Д. Д. Шостакович, Антонин Дворжак, Бедржих Сметана, Леош Яначек, Б.Бриттен, Карл Орф, Ф.Пуленк, И.Ф.Стравинский
8. Известные оперные певцы.
Рис. 3
9. Востребованность и современность оперы.
Опера – это достаточно консервативный жанр по своей природе. Это связано с тем, что существует многовековая традиция, обусловленная техническими возможностями исполнения. Своей долговечностью этот жанр обязан большим эффектом, оказываемым на слушателя за счет синтеза нескольких искусств, способных производить впечатление сами по себе. С другой стороны, опера – это крайне ресурсоемкий жанр, недаром само слово “опера” в переводе с латыни значит “труд”: из всех музыкальных жанров она обладает наибольшей продолжительностью, она требует качественных декораций для постановки, максимального мастерства певцов для исполнения и высокого уровня сложности композиции. Таким образом, опера является пределом, к которому стремится искусство с целью произвести максимальное впечатление на публику при использовании всех доступных ресурсов. Однако из-за консервативности жанра, этот набор ресурсов мало поддается расширению: нельзя сказать, что за последние десятилетия состав симфонического оркестра совсем не изменился, но вся основа осталась прежней. Так же мало изменяется техника вокала, связанная с необходимостью большой мощности при исполнении оперы на сцене. Музыка ограничена в своем движении этими ресурсами.
Сценическое представление в этом смысле более динамично: можно поставить классическую оперу в авангардном стиле, не изменив ни одной ноты в партитуре. Обычно считается, что в опере главное музыка, и поэтому оригинальная сценография не может погубить шедевр. Однако обычно так не получается. Опера – это синтетическое искусство, и сценография важна. Постановка, не соответствующая духу музыки и сюжета воспринимается как чуждое произведению вкрапление. Таким образом, классическая опера часто не отвечает потребностям постановщиков, желающих выразить современные настроения на сцене музыкального театра, и требуется что-то новое.
Первый вариант решения этой проблемы – это мюзикл.
Второй вариант – это современная опера.
Существует три степени художественности содержания музыки.
Значение современной оперы заключается именно в сочетании современных технологий и свежего звучания с высокими художественными достоинствами, характерными для оперы вообще. Это один из способов примирить стремление выразить в искусстве современные настроения с необходимостью соблюдать чистоту классики.
Идеальный вокал, основываясь на культурных корнях, преломляет в своей индивидуальности народную школу пения, и может служить основой для неповторимого звучания современных опер, написанных для конкретных исполнителей.
Можно написать шедевр, не вписывающийся в рамки никакой теории, но звучащий великолепно. Но для этого он все равно должен удовлетворять требованиям восприятия. Изложенные правила, как и любые другие, можно нарушать.
Домашнее задание ученикам. Освоение характерных особенностей композиторского стиля произведений русских композиторов, западно-европейских и современных композиторов. Анализ музыкальных произведений (на примере оперы).
Используемая литература:
Каждое из искусств имеет определенные жанры, в которые творцы облекают свои художественные замыслы. Одни из них наилучшим образом подходят для воплощения грандиозных, как теперь говорят, проектов, для больших масштабов и монументальных форм, другие - для выражения интимных чувств. Разочарованием для творца может обернуться неверно выбранный жанр или форма, в которую он пожелал воплотить свой замысел. Конечно, замечательно, когда малая форма заключает в себе большое содержание. В таких случаях принято говорить: краткость - сестра таланта, или - как говорит Шекспир в «Гамлете» - «краткость есть душа ума», но плохо, если, наоборот, для избранной крупной формы не оказалось достаточного содержания...
Александр Майкапар
Музыкальные жанры: Опера
Каждое из искусств имеет определенные жанры, в которые творцы облекают свои художественные замыслы. Одни из них наилучшим образом подходят для воплощения грандиозных, как теперь говорят, проектов, для больших масштабов и монументальных форм, другие - для выражения интимных чувств. Разочарованием для творца может обернуться неверно выбранный жанр или форма, в которую он пожелал воплотить свой замысел. Конечно, замечательно, когда малая форма заключает в себе большое содержание. В таких случаях принято говорить: краткость - сестра таланта, или - как говорит Шекспир в «Гамлете» - «краткость есть душа ума», но плохо, если, наоборот, для избранной крупной формы не оказалось достаточного содержания.
Можно провести параллели между отдельными жанрами разных видов искусств. Так, опера в определенном смысле сродни роману или драматическому произведению (чаще – трагедии; и можно привести примеры опер на тексты знаменитых трагедий -«Отелло» Шекспира и Верди). Другая параллель - музыкальный жанр прелюдии и лирическое стихотворение, а в изобразительном искусстве - рисунок. Сравнения без труда можно продолжить.
Нам важно здесь обратить внимание на то, что в подобных параллелях заключено сходство форм и даже технических приемов, идентичность работы с объемами и массами: у композитора - звуков, у художника - красок. В предлагаемой серии очерков о музыкальных жанрах мы постараемся избежать сложных музыкальных понятий и терминов, но все-таки без раскрытия некоторых специфических музыкальных особенностей нам не обойтись.
Многие классические и романтические оперы еще со времен Люлли имели вставные балетные сцены. Один из таких эпизодов изобразил на своей картине Э. Дега. Эфемерные танцовщицы на сцене резко контрастируют с музыкантами оркестра и зрителями в партере, среди которых друзья художника - коллекционер Альберт Хешт и художник-любитель виконт Лепик, которых художник изобразил почти с фотографической точностью. Импрессионизм и реализм были тесно соединены. При всех их различиях они могли сочетаться в одной картине.
Египетская тема оперы Верди «Аида» графически проиллюстрирована на титульном листе первого издания оперы, осуществленного фирмой «G. Ricordi e C.» в Милане. Издания этой фирмы распространялись по всей Европе. Из воспоминаний професора С. Майкапара о его музыкальной юности в Таганроге (начало 80-х годов XIX века): Г. Молла, учитель-итальянец, «очень любил помимо уроков приходить ко мне или приглашать меня к себе, чтобы вместе со мной изучать только что выходившие новые оперы Верди. Клавираусцуги (переложения для фортепиано) этих опер он выписывал прямо из Милана от самого издательства Рикорди. Так мы прошли с ним досконально оперы «Аиду», «Отелло», «Фальстафа».
Первая постановка «Кармен» успеха не имела. Автора обвинили в безнравственности. Одним из первых музыку «Кармен» оценил Чайковский. «Опера Бизе, - писал он, - шедевр, одна из тех немногих вещей, которым суждено отразить в себе в сильнейшей степени музыкальные стремления целой эпохи. Лет через десять «Кармен» будет самой популярной оперой в мире». Слова Чайковского оказались пророческими.
Произведения знаменитого итальянского композитора Джакомо Пуччини издавал уже упоминавшийся Г. Рикорди. «Тоска» (1900) - одна из самых репертуарных опер в театрах мира. Создание попурри, парафраз или фантазий на темы любимых опер - традиция, восходящая еще к XVIII веку.
«Волчий овраг». Каспар в ожидании Макса заключает договор с демоническим охотником Самиэлем, которому он продает свою жизнь. Но затем вместо себя предлагает Макса. Призрак загадочно отвечает: «Он или ты». В это время с вершины в овраг спускается Макс, его удерживает тень матери, но Самиэль вызывает призрак Агаты, и Макс после некоторого колебания сходит вниз. Макс принимается за приготовление семи волшебных пуль из материала, доставляемого Каспаром. Их окружают адские видения. При последней, роковой пуле появляется призрак Самиэля, и оба егеря падают полумертвые от ужаса на землю.
А. Бородин не успел завершить работу над оперой.
К исполнению и изданию этот шедевр оперного искусства подготовили друзья композитора - Н. Римский-Корсаков и А. Глазунов. Последний записал увертюру оперы по памяти.
Издал оперу русский меценат М.П. Беляев, основатель музыкального издательства «Edition M.P. BELAЇFF, Leipzig».
Из воспоминаний Н. Римского-Корсакова: М. П. Беляев «был меценат, но не меценат-барин, бросающий деньги на искусство по своему капризу и в сущности не делающий для него ничего. Конечно, не будь он богатым, он не мог бы сделать для искусства того, что он сделал, но в этом деле он стал сразу на благородную, твердую почву. Он сделался предпринимателем концертов и издателем русской музыки без всяких расчетов на какую-либо для себя выгоду, а напротив, жертвуя на это огромные деньги, притом скрывая до последней возможности свое имя».
Краткое определение
Мир оперы…
Сколько композиторов, сколько поколений слушателей, в скольких странах этот мир приковывал к себе своими чарами! Сколько величайших шедевров этот мир заключает в себе! Какое разнообразие сюжетов, форм, способов сценического воплощения своих образов предоставляет этот мир человечеству!
Опера, безусловно, самый сложный музыкальный жанр. Как правило, она занимает полный театральный вечер (хотя есть так называемые одноактные оперы, которые ставятся обычно две в одном театральном представлении). В отдельных случаях полный оперный замысел композитора получает воплощение в несколько вечеров, причем каждый из них превышает традиционные рамки оперного спектакля. Мы имеем в виду тетралогию (то есть представление из четырех опер) Рихарда Вагнера «Кольцо нибелунга» с ее четырьмя самостоятельными оперными спектаклями: пролог - «Золото Рейна», первый день - «Валькирия», второй день - «Зигфрид», третий день - «Гибель богов». Не удивительно, что подобное творение по своим масштабам ставится в ряд таких созданий человеческого духа, как роспись плафона Сикстинской капеллы Микеланджело или «Человеческая комедия» Бальзака (98 романов и новелл - «Этюдов о нравах»).
Раз уж мы забежали настолько вперед, договорим о Вагнере. В книге американского музыковеда Генри Саймона «Сто великих опер», которую нам довелось перевести и опубликовать для любителей оперы в нашей стране, об этой тетралогии сказано остро и афористично: «Кольцо нибелунга» - величайшее произведение искусства, когда-либо созданное одним человеком, или - иначе - самая колоссальная скукотища, или - еще и так - плод крайней степени гигантомании. Именно так постоянно характеризуется эта тетралогия, и эпитеты эти отнюдь нe взаимоисключающие. На создание этого творения - текста, музыки и подготовки премьеры - ушло двадцать восемь лет. Правда, в этот период Вагнер сделал перерыв в работе над «Кольцом», частично пришедшийся на создание «Зигфрида». Чтобы несколько отвлечься и перевести дух, он в этот период сочинил также два своих шедевра - «Тристана» и «Мейстерзингеров».
Прежде чем хотя бы бегло описать исторический путь оперы - подробный рассказ об опере занял бы большой книжный том, а то и не один, - попробуем дать краткое определение того, что есть или, вернее, чем стала опера как музыкальный жанр.
Итальянское слово opera происходит от латинского и означает в широком смысле «труд», то есть «творение», в литературно-музыкальном - «сочинение». Еще задолго до оперы - музыкального жанра это слово употреблялось для обозначения литературного сочинения, в первую очередь философского и теологического, когда оно публиковалось в полном виде - Opera omnia . Такие сочинения были наиболее сложным литературным жанром (например, «Сумма теологии» Фомы Аквинского). В музыке таким наиболее сложным произведением является именно опера - сценическое произведение, соединяющее в себе музыку (вокальную и инструментальную), поэзию, драму, сценографию (изобразительное искусство). Таким образом, опера по праву носит свое название.
Начало
Если бы мы задались целью хотя бы пунктиром наметить этапы развития оперы как музыкального жанра, наш очерк превратился бы в одно лишь перечисление имен композиторов, названий их оперных творений и театров, где эти шедевры впервые увидели свет рампы. Причем из имен, как можно легко догадаться, были бы названы величайшие: Монтеверди, Перголези, Люлли, Глюк, Моцарт, Россини, Бетховен, Мейербер, Вагнер, Верди, Пуччини, Рихард Штраус… Это только западные композиторы. А русские! Впрочем, о них речь впереди.
Но о первой опере и первом оперном композиторе, оказавшемся таковым… случайно, сказать все же необходимо. Для этого нам нужно мысленно перенестись на родину этого музыкального жанра - в Италию, точнее, во Флоренцию конца XVI века. Опера родилась здесь и в это время.
В ту эпоху в Италии господствовало необычайное увлечение академиями, то есть свободными (от городских и церковных властей) обществами, объединявшими философов, ученых, поэтов, музыкантов, знатных и просвещенных любителей. Целью таких обществ было поощрение и развитие наук и искусств. Академии пользовались финансовой поддержкой своих членов (большинство из которых принадлежали к аристократическим кругам) и находились под покровительством княжеских и герцогских дворов. В XVI–XVII вв. в Италии насчитывалось свыше тысячи академий. Одной из них была так называемая Флорентийская камерата. Она возникла в 1580 г. по инициативе Джованни Барди, графа Вернио. Среди ее членов - Винченцо Галилей (отец знаменитого астронома), Джулио Каччини, Якопо Пери, Пьетро Строцци, Джироламо Меи, Оттавио Ринуччини, Якопо Кореи, Кристофано Мальвецци. Особый интерес у них вызывали культура античности и проблемы стиля древней музыки. Именно на этой почве и родилась опера, которая тогда еще не называлась оперой (впервые термин «опера» в нашем понимании возник в 1639 г.), а определялась как drama per musica (букв.: «драма через музыку», или, точнее по смыслу, «драма (положенная) на музыку»). Иными словами, композиторы Флорентийской камераты были увлечены идеей реконструкции древнегреческой музыки и драмы и совсем не помышляли о том, что мы теперь именуем оперой. Но из попыток создания такой (псевдо)античной драмы в 1597 или 1600 г. родилась опера.
Разные даты - потому что все зависит от того, что считать первой оперой: год создания первой, но утерянной, или год первой дошедшей до на с оперы. Об утерянной известно, что это была «Дафна», а дошедшая до нас - «Эвридика». Она была пышно поставлена в палаццо Питти 6 октября 1600 года по случаю бракосочетания Марии Медичи и французского короля Генриха IV. Мировое музыкальное сообщество отмечало четырехсотлетие оперы в 2000 году. Красивые числа! Вероятно, это решение оправданно. К тому же обе эти оперы - «Дафна» и «Эвридика» - принадлежат одному и тому же композитору Якопо Пери (вторую он писал в соавторстве с Джулио Каччини).
Так же как в случае с перечислением имен оперных композиторов, нас ждет безбрежный материал, если мы захотим описать разные виды и направления оперного творчества, охарактеризовать все те новшества, которые привнес с собой каждый из великих творцов оперы. Мы должны будем упомянуть хотя бы основные виды оперы - оперу так называемую «серьезную» (opera seria ) и оперу комическую (opera buffa ). Это первые оперные жанры, возникшие в XVII–XVIII вв.; из них впоследствии (в XIX в.) выросли соответственно «опера-драма» (grand opera ) и комическая опера эпохи романтизма (которая затем плавно трансформировалась в оперетту).
Насколько эта эволюция оперных жанров очевидна и ясна музыкантам, свидетельствует остроумное замечание одного музыканта-острослова: «Если «Севильский цирюльник» [Россини] идет в театре в трех действиях, знайте, что это сделано в целях буфета театра». Чтобы оценить эту шутку, нужно знать, что «Севильский цирюльник» - комическая опера, наследница традиций opera buffa . А opera buffa поначалу (в Италии в XVIII в.) создавалась в качестве веселого представления для отдыха слушателей в антрактах opera seria, которая в то время всегда состояла из трех действий. Так что легко понять, что в представлении из трех действий было два антракта.
История музыки сохранила для нас обстоятельства рождения первой opera buffa. Ее автором был совсем молодой Джованни Баттиста Перголези. В 1733 г. композитор создавал свою очередную «серьезную оперу» - «Гордый пленник». Подобно другим пяти операм seria , которые он сочинил за четыре года своей карьеры оперного композитора, она не имела успеха, по сути провалилась.
В качестве двух intermezzo Перголези, что называется спустя рукава, написал забавную историю, для которой требовались всего лишь сопрано и бас, ну и один актер-мим (такой состав стал традиционным для подобных интермедий). Так родилась музыкальная форма, получившая известность как opera buffa , у которой оказалась долгая и почетная история, а ее классический пример - «Служанка-госпожа» - имел сценическую жизнь почетную и столь же долгую.
Перголези умер в 1736 г. в возрасте двадцати шести лет. Он так и не узнал, что десятью годами позже, когда итальянская труппа поставила это его небольшое произведение в Париже, оно стало причиной оперной войны, получившей известность как «война буффонов». Широко почитаемые Рамо и Люлли сочиняли тогда величественные и патетические произведения, которые вызывали критические отзывы таких интеллектуалов, как Руссо и Дидро. «Служанка-госпожа» дала им оружие для атаки на формальные музыкальные развлечения, любимые королем. Кстати, королева предпочитала тогда музыкальных мятежников. Результатом этой войны было по меньшей мере шестьдесят памфлетов на эту тему, приобретшая успех opera buffa самого Руссо, называющаяся «Деревенский колдун» (она стала образцом для «Бастьена и Бастьенны» Моцарта), и почти две сотни исполнений перголезиевского шедевра.
Основные принципы Глюка
Если взглянуть на оперу с точки зрения того репертуара, который можно считать традиционным для классических оперных театров мира, то в первых его строках будут не произведения классиков XVIII в., таких как Гендель, Алессандро Скарлатти и их многочисленных, активно творивших современников и последователей, а композитора, который решительно направил свой взор в сторону драматической правдивости сценического действия. Этим композитором был Глюк.
Надо заметить, что, конечно, характеризуя национальные оперные школы, следовало бы сказать и о Германии середины XVIII в., но здесь какое произведение ни возьми из достойных быть упомянутыми, непременно окажется, что оно либо итальянского композитора, работавшего в Германии, либо немца, выучившегося в Италии и писавшего в итальянской традиции и на итальянском языке. Более того, первые произведения самого Глюка были именно таковыми: он учился в Италии и его ранние оперы были написаны для итальянских оперных театров. Однако в определенный момент Глюк резко изменил свои взгляды и вступил в оперу с высоко поднятым знаменем, на котором было начертано: «Назад в 1600-й!». Иными словами, вновь после многих лет культивирования всевозможных условностей опера должна была превратиться в «drama per musica ».
Основные принципы Глюка можно суммировать (исходя из авторского предисловия к «Альцесте») следующим образом:
а) музыка должна быть подчинена поэзии и драме, она не должна ослаблять их ненужными украшениями; она должна играть по отношению к поэтическому произведению ту же роль, какую по отношению к хорошему и точному рисунку играет яркость красок и хорошее распределение светотени, служащие к оживлению фигур, не изменяя их контуров;
б) следует изгнать все те излишества, против которых протестуют здравый смысл и справедливость; актер не должен прерывать свой страстный монолог, ожидая, пока отзвучит нелепая ритурнель, или разрывать слово, чтобы на какой-нибудь удобной гласной продемонстрировать свой прекрасный голос;
в) увертюра должна осветить зрителям действие и служить как бы вступительным обзором содержания;
г) оркестровка должна изменяться в соответствии с интересом и страстностью слов, произносимых актером;
д) следует избегать неуместных цезур между речитативами и ариями, которые калечат период и лишают действие силы и яркости.
Итак, Глюк предстает великим реформатором оперы. Он был немцем, и от него идет та линия развития оперы, которая через Моцарта приводит к Веберу, затем к Вагнеру.
Двойной талант
Быть может, лучшей характеристикой Вагнера остаются слова Ференца Листа о нем (которые мы приводим в переводе замечательного русского композитора и музыкального критика Александра Серова): «По чрезвычайно редкому исключению в сфере музыкальных деятелей Вагнер соединяет в себе двойной талант: поэта в звуках и поэта словесного, автора музыки в опере и автора либретто, что придает необыкновенное единство его драматически-музыкальным вымыслам. <...> Все искусства, по вагнеровской теории, должны сочетаться на театре и таким художественно уравновешенным согласием стремиться к одной цели - общему чарующему впечатлению. Музыку Вагнера невозможно обсуждать, если захотеть искать в ней обыкновенную оперную фактуру, обыкновенное распределение арий, дуэтов, романсов, ансамблей. Тут все неразрывно связано, сплочено организмом драмы. Стиль пения в большей части сцен столь же далек от рутинного речитатива, сколь и от размеренных фраз итальянских арий. Пение у Вагнера становится естественной речью в области поэтической, речью, которая не мешает драматическому действию (как в иных операх), а, напротив, несравненно усиливает его. Но в то время, что действующие лица в величественно простой декламации высказывают свои чувства, богатейший оркестр Вагнера служит отголоском души этих же действующих лиц, дополняет, дорисовывает то, что мы слышим и видим на сцене».
Русская школа
В XIX веке зрелости и самостоятельности достигла русская оперная школа. Для ее расцвета в это время была подготовлена замечательная почва. Первые русские оперы, появившиеся в конце XVIII в., были по преимуществу драматическими пьесами с музыкальными эпизодами по ходу действия. Многое было заимствовано русскими композиторами того времени у итальянцев и французов. Но и те, в свою очередь, побывав в России, многое из русского музыкального быта воспринимали и ассимилировали в своем творчестве.
Основоположником русской оперной классики стал М.И. Глинка. Две его оперы - историко-трагическая «Жизнь за царя» («Иван Сусанин», 1836) и сказочно-эпическая «Руслан и Людмила» (1842) - положили начало двум важнейшим направлениям русского музыкального театра: исторической опере и опере волшебно-эпической.
Вслед за Глинкой на оперное поприще вступил Александр Даргомыжский. Его путь как оперного композитора начался с оперы «Эсмеральда» по В. Гюго (поставлена в 1847 г.). Но главными его художественными достижениями явились оперы «Русалка» (1855) и «Каменный гость» (1866–1869). «Русалка» - первая русская бытовая лирико-психологическая опера. Даргомыжский, как и Вагнер, ощущал необходимость реформы оперы, чтобы избавиться от условностей и добиться полного слияния музыки и драматического действия. Но, в отличие от великого немца, он сосредоточил свои усилия на поиске максимально правдивого воплощения в вокальной мелодии интонаций живой человеческой речи.
Новый этап истории русской оперы - 60-е годы XIX столетия. Это время, когда на русской сцене появляются произведения композиторов балакиревского кружка, известного под названием «Могучая кучка», и Чайковского. Членами балакиревского кружка были А.П. Бородин, М.П. Мусоргский, Н.А. Римский-Корсаков. Оперные творения этих композиторов составляют золотой фонд русского и мирового оперного искусства.,
ХХ век - как в России, так и на Западе - внес значительное разнообразие в оперные жанры, но приходится констатировать, что четвертое столетие существования оперы не может похвастать творениями столь великими и в таком обилии, как это было в предыдущие века. Посмотрим, что случится в пятом столетии...
Чем опера начинается...
Какому бы художественному направлению ни принадлежала конкретная опера, она всегда открывается увертюрой. Как правило, последняя содержит в себе ключевые музыкальные идеи оперы, главные ее мотивы, чисто оркестровыми средствами характеризует ее персонажей. Увертюра - это «визитная карточка» оперы. Наш разговор об опере мы завершаем рассуждением о том, чем опера начинается. И передаем слово остроумнейшему из композиторов - Джоаккино Россини.
Когда один молодой композитор спросил его, что лучше, писать увертюру до написания оперы или после ее завершения, Россини перечислил шесть способов, какими он писал увертюры:
1. Я написал увертюру к «Отелло» в маленькой комнатке, в которой меня запер с тарелкой макарон один из самых жестоких директоров театров, Барбария; он сказал, что выпустит меня только после того, как будет написана последняя нота увертюры.
2. Увертюру к «Сороке-воровке» я писал прямо в день премьеры оперы за кулисами театра Ла Скала в Милане. Директор посадил меня под охрану четырех рабочих сцены, которым было приказано бросать листки рукописи один за другим переписчикам, находившимся внизу, в оркестровой яме. По мере переписывания рукописи ее, страницу за страницей, посылали дирижеру, который репетировал музыку. Если бы мне не удалось сочинить музыку к назначенному часу, мои охранники бросили бы меня самого, вместо листков, к переписчикам.
3. Я вышел из положения проще в случае с увертюрой к «Севильскому цирюльнику», которую я вовсе не написал; вместо этого я воспользовался увертюрой к моей опере «Елизавета», которая является очень серьезной оперой, тогда как «Севильский цирюльник» опера комическая.
4. Увертюру к «Графу Ори» я сочинял, когда рыбачил с одним музыкантом, испанцем, который непрестанно тараторил о политической ситуации в своей стране.
5. Увертюру к «Вильгельму Теллю» я сочинял в квартире на бульваре Монмартр, где ночью и днем толпы людей курили, пили, разговаривали, пели и трезвонили мне в уши, в то время как я работал над музыкой.
6. Я никогда не сочинял никакой увертюры к моей опере «Моисей»; и это и есть самый простой из всех способов.
Это остроумное высказывание знаменитого оперного композитора естественным образом подвело нас к более подробному рассказу об увертюре - музыкальном жанре, давшем замечательные образцы. Рассказ об этом - в следующем очерке цикла.
По материалам журнала «Искусство» № 02/2009
На постере: Борис Годунов - Ферруччо Фурланетто. Фото Дамира Юсупова